MIRARTE es un blog para la reflexión artística donde artistas y público tienen un espacio común de entendimiento. Deteneos un instante para 'mirar el arte'



18.12.11

La inmediatez del trazo



Pepe Forner, la inmediatez del trazo
Éxito en la convocatoria de pintura en directo de Aitana


El pintor Pepe Forner encandiló anoche al público que se congregó en la galería de arte Aitana de Burriana (Maestrat 1 A) para ver cómo el artista burrianense pintaba en directo un cuadro. Del lienzo en blanco fueron apareciendo los rasgos de un arlequín, uno de los personajes predilectos del repertorio del artista. “Me gusta que la gente penetre en el mundo de la pintura, que vea el manejo de los pinceles. Yo les voy explicando lo que hago y así conocen el espíritu de la creatividad. Es una manera de hacerles partícipes y de establecer un diálogo”, justificaba Forner. Recordar que la exposición de Forner podrá visitarse en la galería de arte Aitana de Burriana hasta el próximo 2 de enero de 2012 en horario de martes a sábado de 11.00 a 13.30 y de 18.00 a 20.30 horas.

15.12.11

Mar y famosos


Luís Ramos presenta su primera exposición en Castellón
‘Mar y famosos’ podrá visitarse en la galería Real hasta el día 24


El pintor castellonense Luís Ramos Blasco escoge la galería Real para presentar su primera exposición en la capital de La Plana después de más de cinco décadas dedicadas a la pintura y cerca de 40 exposiciones. La inauguración de la muestra que lleva por título ‘Mar y famosos’ tendrá lugar mañana viernes 16 de diciembre, a partir de las 20.00 horas.
Luís Ramos Blasco (Castellón, 1949) estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Castellón bajo las directrices de maestros como Ramón Catalán o Gimeno Barón. Desde la década de los 60 es asiduo a los concursos de dibujo y pintura de los que obtienen algunos premios. En 2005 decide abandonar su faceta profesional para dedicarse exclusivamente al arte. Participa en cerca de 40 exposiciones individuales, colectivas y ferias por toda la provincia de Castellón y también en Valencia, Toledo, Zaragoza o Italia. Ramos es uno de los miembros más activos del colectivo Beni-art y desde hace algunos años pertenece al Ateneo de Castellón. De presencia obligada en la mayoría de exposiciones y proyectos culturales que se celebran en Castellón, Ramos acepta por fin el reto de exponer en solitario en su ciudad natal y confiesa que su intención es aparecer una vez al año. De hecho, Ramos ya nos adelanta que su próximo proyecto tendrá como protagonistas a las grandes ciudades y su paisaje urbano.
En la exposición de la galería Real Ramos presenta dos series bien diferenciadas. Por un lado una galería de retratos de personajes famosos como el futbolista Carles Pujol, la mediática periodista Sara Carbonero, el actor Miguel Ángel Silvestre y el pintor Andy Warhol. Y, por el otro, el corpus más numeroso dedicado a las marinas. Para ello Blasco se apoya en la técnica del collage que elabora a base de recortes de papel procedentes de revistas y periódicos. Con referencias figurativas y realistas claras Blasco crea sus composiciones a base de retazos y montajes sobre fotografías que realiza él mismo. Con el mar siempre como elemento clave Blasco alterna la presencia de figura humana (pescadores, bañistas, etc) con los edificios, las barcas o simples objetos como una bicicleta o un banco sin centrar la atención en ningún motivo por encima de otro. De paleta rica Blasco siente predilección por la gama fría de los azules y los celajes rasgados.
La exposición de Luís Ramos podrá visitarse en la galería Real (plaza Real, 3) de Castellón hasta el próximo jueves 24 de diciembre en horario de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00 horas.

10.12.11

José del Amo



Vicent Sales preside la exposición del Día Internacional de la Abolición de la Esclavitud
Los trabajos de José del Amo podrán verse hasta el día 16


El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Castellón, Vicent Sales, presidió anoche la exposición de José Del Amo en la Delegación del Consell en Castellón (Casa de los Caracoles) con motivo del Día Internacional de la Abolición de la Esclavitud. En su intervención Sales destacó la labor del grupo AMART, al cual pertenece José del Amo, por su aportación a la cultura, -tanto a las artes plásticos como a la literatura y en especial la poesía-, desde su fundación el pasado mes de marzo. La inauguración contó también con la presidenta del colectivo AMART, Nika Calvo, que leyó unas referencias contra la esclavitud recordando que todavía existen hoy muchas personas privadas de libertad. Finalmente la periodista especializada en arte Patricia Mir esbozó algunas de las claves para entender la obra de Del Amo y reiteró su felicitación a AMART por su implicación en la organización de eventos culturales.
José Del Amo nació en una pequeña población manchega llamada Barrax, en la provincia de Albacete. De muy joven tuvo que emigrar a tierras de La Plana, donde lleva ya más de 40 años afincado en el municipio de Vila-real. Su vida laboral ha estado vinculada a la albañilería, con lo que siempre ha estado familiarizado con el mundo del azulejo. De formación artística autodidacta, hace veinte años que Del Amo empezó a realizar sus primeras obras mosaísticas. A raíz de una baja laboral por motivos de salud Del Amo pudo volcarse en su afición y empezó a plasmar dibujos más complejos. De sus manos han salido desde escudos de equipos de fútbol y poblaciones españolas, pasando por escenas costumbristas y paisajes, hasta la reproducción de famosas pinturas. Con el empleo únicamente de azulejos y unas tenazas, José del Amo es capaz de construir obras que rinden homenaje a grandes escenas de la historia del arte. En la exposición podremos ver el ‘Guernica’ de Picasso, ‘La mujer de la perla’ de Vermeer o ‘Los fusilamientos del 3 de mayo’ de Goya, entre otros, junto con diseños propios de Amo. “Cada pieza que trabajo es diferente. Hay teselas que son como un grano de arroz. Intento ser muy purista y elaborar mis mosaicos como se hacían en la época clásica de Grecia y Roma. Todo con mucha humildad, por supuesto”, señala este creador que espera con mucha ilusión su puesta de largo en el circuito expositivo de Castellón.
La exposición de José del Amo podrá visitarse en la Casa de los Caracoles (calle Mayor, 78) hasta el próximo viernes 16 de diciembre en horario de lunes a sábado de 09.00 a 13.00 y de 17.00 a 20.00 horas y con entrada libre.

30.11.11

Forner en Aitana



Aitana presenta los últimos trabajos al pastel y óleo de Forner
El artista pintará en directo dos obras ante el público

La galería de arte Aitana de Burriana (Maestrat 1 A) presenta los últimos trabajos en óleo y pastel del pintor burrianense Pepe Forner. La inauguración de esta nueva muestra tendrá lugar este viernes 2 de diciembre a partir de las 19.00 horas con una sorpresa para el público asistente. El artista brindará la posibilidad de ver de primera mano como nace una obra. Forner pintará en directo un cuadro durante la inauguración y otro el sábado 17 de diciembre. “Me gusta que la gente penetre en el mundo de la pintura, que vea el manejo de los pinceles. Yo les voy explicando lo que hago y así conocen el espíritu de la creatividad. Es una manera de hacerles partícipes y de establecer un diálogo”, explica Forner.
La sala acoge una selección de la obra más reciente de este pintor y retratista que, como él mismo reconoce, se basa en el ser humano como vehículo de expresión. Temas recurrentes como la maternidad, los paisajes de Burriana o el retrato son el pretexto para investigar las posibilidades de la pintura y el color. En el caso de las maternidades Forner se decanta por una paleta donde predominan los rosados, ocres y el gris como tono de transición. También observamos en esta serie abundancia de grupos de figuras a través de las que Forner puede estudiar la relación pictórica entre ellas. Entre los paisajes destaca uno especialmente que el pintor dedica a la torre del mar y donde se aprecia la edificación defensiva que se alza en su Burriana natal con un paisaje completamente imaginado.
Forner es un artista que no sigue modas ni modismos. “Mi idea es evolucionar hacia la pintura pura. Aunque pinto desde los 15 años es ahora cuando me empieza a gustar lo que hago. El azar es muy importante para mi forma de trabajar. Cada vez empleo colores más saturados, más puros, huyendo del blanco. Mi conclusión es que es la materia la que te domina a ti”, señala.
La exposición de Forner podrá visitarse en la galería de arte Aitana de Burriana hasta el próximo 2 de enero de 2012
en horario de martes a sábado de 11.00 a 13.30 y de 18.00 a 20.30 horas.

Gráfico y personal




María Griñó expone sus últimos trabajos en la galería Real
El universo de la pintora se enriquece con motivos florales

La pintora castellonense María Griñó repite en la galería Real con una nueva exposición individual que recoge los trabajos más recientes de esta creadora que se está forjando cada día más un hueco en el panorama artístico de La Plana. Los temas femeninos tan característicos de su quehacer se enriquecen en esta ocasión con motivos inspirados directamente en la naturaleza a través de las flores y las hojas. La inauguración de la exposición tendrá lugar el próximo viernes 2 de diciembre, a partir de las 19.30 horas.
La exposición ofrece una selección de los temas más recurrentes de Griñó con especial atención al mundo femenino, sin olvidar la música o los arlequines. Los últimos acrílicos de la pintora poseen un influjo mayor si cabe del mundo oriental a través de su icono femenino por excelencia, las geishas. En los lienzos entrevemos por primera vez motivos florales y vegetales que alcanzan su mejor ejemplo en un cuadro pintado sobre tela estampada de flores que representa dos mujeres-tocado de poderoso encanto. Aunque existen paralelismos entre la obra de Griñó y corrientes como el pop art, el cómic o las estampas japonesas la autora le gusta calificar su trabajo como “gráfico y personal”.
En su texto de presentación de la muestra el prestigioso crítico Antonio J. Gascó define a la autora con las siguientes palabras: “Sus personajes femeninos de rostros de porcelana, suponen un sabroso cóctel en el que se han mezclado, en atinada proporción, sabores del modernismo, de rutilante fantasía cromática, cataduras del rasgo oriental, con no escasas dosis de sortilegio y una mediterraneidad vitalista y profundamente sensorial. Si además le sumamos una elegancia consustancial y una ternura aún más innata, llegaremos a la convicción de que sus pinturas tienen ese don inexplicable que se llama hechizo”.
La exposición de la pintora María Griñó podrá visitarse en la galería Real (plaza Real, 3) de Castellón hasta el próximo jueves 15 de diciembre en horario de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00 horas.

Bolumar en papel

Presentación del libro ‘Luís Bolumar, una nueva figuración’
Firma de ejemplares el 1 de diciembre a las 19.30 horas

El pintor Luís Bolumar invita a todos los castellonenses a la presentación de una nueva publicación sobre su trayectoria artística coincidiendo con su recién estrenada etapa profesional en el estudio de la calle Caballeros. El acto de presentación y firma de ejemplares tendrá lugar el próximo jueves 1 de diciembre a las 19.30 horas en su taller de la calle Caballeros número 6. El libro, titulado ‘Luís Bolumar, una nueva figuración’, cuenta con diseño y fotografías de José Antonio Arias (Keco), profesor de la EASDC, y textos del profesor de Historia del Arte de la UJI y director de Castalia Iuris Joan Feliu. El volumen recopila un importante corpus gráfico de la obra pictórica, escultórica y gráfica del artista segorbino en los últimos tiempos. Incluye también hitos tan importantes como la colocación de la primera escultura pública del artista -‘La lectura’- en el Grau de Castellón. El fotógrafo Keco y el pintor Bolumar trabajan de forma conjunta desde hace casi una década y en esta ocasión han vuelto a dar ejemplo de su prolífica unión. El artículo de Feliu, escrito en castellano e inglés, plantea su visión sobre la peculiaridad de la pintura de Luís Bolumar. Según Feliu, la pintura de Bolumar es muy reconocible. “Bolumar tiene como particularidad una figuración con algo de prehistórico, unas líneas muy marcadas, un colorido pop y, ante todo, una figuración que es femenina. Su obra ya no está sujeta a modas externas sino que el pintor ha forjado su propio estilo y se siente cómodo en él”. El libro se volverá a presentar al público el próximo 15 de diciembre en Castalia Iuris.

26.11.11

Momento para recordar



Gala musical ‘Volvamos a recordar’, hoy en la Pérgola
El maratón se prolongará desde las 18.00 hasta las 03.00 horas



La Pérgola, escenario del que fue hace algunas décadas punto de encuentro de los grupos musicales de Castellón volverá a brillar con luz propia hoy sábado con la gala ‘Volvamos a recordar 60, 70, 80 y 90. Los mejores años de nuestra vida’. La Asociación Cultural Grupos y Conjuntos musicales de Castellón -nacida hace ahora un año- ha sido la promotora de esta iniciativa que reunirá un total de 16 conjuntos musicales. La gala tendrá formato de maratón. Arrancará a las 18.00 horas y se prolongará hasta las tres de la madrugada con entrada libre y gratuita. Según el presidente de este colectivo, Antonio Gallardo, la filosofía de este macro evento es la de “recuperar canciones de una época en la que no había discotecas y todos íbamos a la Pérgola. De los 16 grupos que participan apenas uno o dos siguen en activo. El resto lleva semanas ensayando con mucha ilusión para este sábado”. Los grupos que actuarán son Eva Group, Kiros, Radio Luxemburgo, Fenders, Samoa Song, Vicente Portoles, Enigma del deseo, Sir Duke, Orquesta musicos CS-J. Palacios, Brasilia, Almalafa Combo, Zeus, Welter’s, Makumba, Carruans y Caribe. Cada conjunto interpretará tres o cuatro canciones en una gala dirigida y presentada por José Antonio Luque y Tania Celalla. La escuela de baile ‘Castellón baila’ amenizará los descansos entre grupo y grupo.

22.11.11

Lorenzo Ramírez en la Casa de los Caracoles



‘Pintando a la música’ de Lorenzo Ramírez
La exposición podrá visitarse en la Casa de los Caracoles


El pintor Lorenzo Ramírez se marca un nuevo reto en su carrera artística para abordar un proyecto que conjuga sus dos inclinaciones, la pintura y la música. El propósito ha sido, según el autor, “traducir los sonidos en una superficie plana a través de los colores y las formas y hacerlo sobre la esencia”. La inauguración de la exposición que lleva por título ‘Pintando a la música. 12 pinturas inspiradas en 12 obras maestras de la música’ tendrá lugar hoy martes 22 de noviembre, a las 19.00 horas, en la Delegación del Consell en Castellón (Casa de los Caracoles). En el acto participarán el delegado del Consell, Joaquín Borrás; el Cronista Oficial de la Ciudad, Antonio Gascó Sidro; el vicerrector de la VIU, Henri Bouché y el propio artista. Durante la inauguración se podrá disfrutar de la interpretación en directo de varios temas musicales a cargo del virtuoso violonchelista José Enrique Bouché.
Como en otras ocasiones Lorenzo ha contado con numerosas colaboraciones de personalidades destacadas de la cultura y las letras castellonenses. Sus doce obras están acompañadas de textos de Antonio J. Gascó, Henri Bouché, Joan Feliu, Patricia Mir, Fina Lidón Montañés, Ximo Górriz, Vicente Cornelles y Eric Gras.
La exposición incluye una serie dedicada a ‘Las cuatro estaciones’ (1726) de Antonio Vivaldi. La primavera como explosión de vida; el otoño de ocres y oros que recrean la fruta madura y la recolección de la cosecha con un delicioso baile de uvas; el verano la sensualidad, el amor y el calor mediterráneos y, por último, el invierno de frío y tormenta que se levanta sobre un lago helado donde la lluvia forma un remolino. Lorenzo Ramírez escoge también dos obras contemporáneas que Beltrán Moner y F. Colás dedicaron a José Enrique Bouché. La primera es ‘Suite Cordobesa’ (1996) que Ramírez transforma en un fuste de violonchelo reconvertido en cuerpo de gitana con sus faldas juguetonas. La segunda, ‘Caminos de leche y miel’ (1998) para violonchelo narra el momento de convivencia de las tres culturas del Sur de España, la sefardí, la árabe y la cristiana. A Lorenzo el tema le sugiere una vela, elemento gráfico de la fe, con varios prendidos y un poso negro que todas comparten. La trágica pieza ‘Trio nº 2, en mi menor, op. 67’ (1944) de Shostakovich abordará el dolor por el amigo fallecido en el holocausto donde como afirma Gascó “llueve hierro”.
‘El Cant dels Ocells’ hará volar las pinceladas sobre una tierra fértil; ‘Rotllo i Canya’ de José García es el inconfundible homenaje a Castellón; ‘El Danubio Azul’ (1867) de Strauss acompasa el color al ritmo del vals y la ‘Sinfonía nº 9’ (1824) de Beethoven armoniza en equilibrio todos los sonidos en un juego elegante de blancos y azules. Finalmente ‘Para Elisa’, también de Beethoven, plantea al pintor el reto de crear la obra con un pincel plano grueso de tonalidades rosas en un ejercicio de habilidad.
‘Pintando a la música’ del pintor Lorenzo Ramírez podrá visitarse en la Casa de los Caracoles hasta el próximo miércoles 30 de noviembre en horario de lunes a sábado de 10.00 a 14.00 horas y con entrada libre.

11.11.11

Rafa Barruè 'escucha'



El pintor y monje Rafa Barruè en la sala de arte Pictograma
La exposición ‘Escolta’ es una invitación a la contemplación del arte


La sala de arte Pictograma (plaza Muralla Liberal, 1) de Castellón abre sus puertas para acoger un nuevo proyecto expositivo del pintor castellonense Rafa Barruè bajo el título de ‘Escolta’. En su condición de monje cisterciense, Barruè elabora una serie llena de misticismo y amor por la pintura. La inauguración de la muestra tendrá lugar hoy viernes 11 de noviembre a partir de las 19.30 horas.
El sentido místico y estético de la exposición lo explica el propio artista con sus palabras:
La imatge, la llum, el so, en la pregària, en el silenci davant de Déu, hi ha el trobament entre la persona que vol conèixer i un Altre que ens coneix més que nosaltres mateixos.
Per a l’encontre, per al diàleg, per a la vida hi ha l’escolta. Escolta que implica acolliment, atenció, obertura vers l’al¬tre.
Es pot escoltar la pintura? L’art tendeix a la bellesa i si la bellesa parla ens cal escoltar, posar atenció, acollint en l’¬in¬te¬rior allò de color que diu, que sent, que parla. L’escolta interpel•la al contemplatiu de l’obra d’art a endinsar-s’hi en el món poètic del pensament.
De la mateixa manera que podem mirar i fer una contemplació dels nostres pensaments, podem escoltar aquestes imatges que avui se’ns posen al davant dels nostres ulls.
Escolta que et diu una obra d’art, una tela bastida amb la bellesa dels colors, la llum i l’ombra.
Escolta els colors. Escolta la bellesa de la contemplació. Descobreix allò de curiós que portes com a bagatge d’art propi. Cada persona en l’interior té el seu tast d’art, de bellesa que li ve donada per la Bellesa, Déu.

La exposición ‘Escolta’ de Rafa Barruè podrá visitarse en la sala de arte Pictograma hasta el próximo 17 de diciembre en horario de lunes a sábado de 11.30 a 13.30 y de 18.30 a 21.00 horas

30.9.11

Jovenes talentos



28ª Exposició Art Jove en Pictograma
Siete jóvenes promesas muestran sus creaciones


La sala de arte Pictograma (plaza Muralla Liberal, 1) de Castellón inaugura temporada con su habitual exposición de Art Jove que suma ya 28 ediciones. Los jóvenes creadores que participan en esta muestra son Catherine Earle, Joel de las Heras, Sara Lloret, Beatriz Mon, Jorge Ortiz, Stefano Popovski y Javier Vellé. La inauguración de la muestra tendrá lugar hoy viernes 30 de septiembre a partir de las 19.30 horas.
A excepción de Joel de las Heras que participó la temporada pasada en una colectiva de l’Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló, todos los artistas acuden por primera vez a esta sala castellonense. La inglesa afincada en Castellón Catherine Earle presenta una selección de piezas cerámicas de formas tradicionales; el fotógrafo Joel de las Heras una atractiva instalación sobre acetato con desnudo masculino; Sara Lloret ofrece una serie de paisajes rurales inspirados en poblaciones de la provincia como Sant Mateu o Morella; Beatriz Mon también emplea la fotografía para descubrir la belleza de la naturaleza más cercana; el cubano Jorge Ortiz prefiere la pintura con dos series de intenso colorido; el búlgaro Stefano Popovski presenta óleos y marinas y, finalmente, el gallego Javier Vellé con esculturas en hierro y guiños al arte del reciclado.
La exposición Art Jove podrá visitarse en la sala de arte Pictograma hasta el próximo 9 de noviembre en horario de lunes a sábado de 11.30 a 13.30 y de 18.30 a 21.00 horas

24.9.11

Ulpiano Carrasco desembarca en Madrid



Ulpiano Carrasco expone su obra reciente en la galería Ángeles Penche
Escenas de la Mancha conviven con la urbe de los rascacielos


El pintor conquense Ulpiano Carrasco acaba de presentar sus últimos trabajos en la Galería de Arte Ángeles Penche de Madrid (Monte Esquinza, 11). El público madrileño puede contemplar una selección de algunos de los temas más representativos de este pintor manchego. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 8 de noviembre en horario de lunes a viernes de 10.30 a 14.00 y de 16.45 a 20.30 horas y los sábados de 10.30 a 14.00 horas.
Como suele ser habitual en el quehacer de este artista gran parte de los cuadros están inspirados en su paisaje natal, la ‘Manchuela’. Carrasco describe esta comarca como una tierra de transición, llena de contrastes, rica y muy cambiante según la estación. Después de 30 años plasmando en el lienzo cada surco de esa amada tierra Carrasco se encuentra en un proceso de investigación que está desembocando en una pintura mucho más simbólica y personal. Sus ojos de pintor reinterpretan el relieve sin prestar apenas atención al celaje.
La muestra incluye también un grupo de bodegones aéreos, estereoscópicos, vistas urbanas de Nueva York y la propia urbe madrileña, así como un interesante conjunto de obras donde los edificios o las frutas se sustituyen por personajes de aspecto carnavalesco inmersos en un ambiente festivo y melancólico.
Ulpiano Carrasco tiene la facilidad para imprimir a todos los asuntos que aborda un tratamiento y una personalidad muy marcada. El color y esa pincelada carnosa y activa son su mejor aliado.

10.9.11

I Semana del Arte

La I Semana del Arte abre sus puertas mañana domingo en Marina d´Or dando la posibilidad a más de cien artistas de dar a conocer su obra en pintura, escultura y fotografía. Un acto que será inaugurado por Juan Ripollés y donde junto a artistas emergentes y consolidados se podrá disfrutar de obras de Tàpies, Manolo Valdés, Miró y Picasso.
En rueda de prensa el presidente de Marina d´Or, Jesús Ger señaló que esta serie de iniciativas son necesarias, máxime en momentos como estos en los que la crisis merma las posibilidades de expansión de la gente vinculada al arte. “Un espacio como este tiene como objetivo impulsar la creatividad y crear un foco para difundir el arte. Ahora las oportunidades son menores por lo que nuestra responsabilidad es mayor”, apuntó Ger.
La iniciativa reunirá la obra de 80 pintores, 8 fotógrafos y 10 escultores así como impulsará conferencias y un ciclo de talleres para los más pequeños. La elevada ocupación de turistas en las instalaciones de Marina d´Or durante la semana de celebración del evento garantizará una visibilidad mayor de las obras y conocimiento de los artistas dado que todos ellos permanecerán alojados en los hoteles y apartamentos de Marina d´Or invitados por la organización.
“Los artistas no estamos acostumbrados a un apoyo de esta envergadura”, dijo Pere Ribera, uno de los artistas plásticos que participará en la semana y que reconoció que la misma servirá para un mayor feed back entre los artistas emergentes y los consolidados.
Por su parte la directora artística del evento Patricia Mir recordó que este encuentro con los grandes maestros del siglo XX ha sido posible gracias a la estrecha colaboración con Patricia Puchol propietaria de la galería Puchol y que el objetivo es abrir las puertas al arte y dar a conocer el espíritu creativo de más de cien artistas.



16.8.11

Pintura a la orilla del mar



Exposición colectiva de pintura en la playa de Moncofa

La sala de exposiciones municipal de la playa de Moncofa celebró ayer tarde la inauguración de la muestra colectiva de los pintores Jaume Tarín, Juan Zuriaga, Lola Tajahuerce, Luís Ramos, Pablo Guinot y Santi Tena. La concejala de Cultura Ana Safont presidió el acto que contó con la presencia de los seis artistas y estuvo presentado por la periodista Patricia Mir. La exposición colectiva de este grupo de artistas podrá visitarse hasta el próximo 28 de agosto en horario de 17.30 a 21.30 horas.
El reconocido acuarelista catalán Jaume Tarín presenta un conjunto de marinas inspiradas directamente en la provincia. Vistas generales y parciales de puertos como el del Grau de Castellón con un tratamiento figurativo de la escena y un sentido purista y fiel a la tradición acuarelista. Martín Zuriaga, turolense de nacimiento pero afincado en Castellón, acudirá también al influjo del mar y del viento para componer sus trabajos. Tonalidades frías y guiños al subconsciente son sus mejores aliados. La pintora Lola Tajahuerce ha escogido para Moncofa una selección de su obra más reciente enmarcada en la serie ‘Armonías y colores’. Composiciones alegres y divertidas en formatos que recuerdan un rompecabezas en azul, amarillo, rojos, verdes y juegos de blanco y negro.
El pintor castellonense Luís Ramos continúa investigando las posibilidades del collage. Periódicos y, sobre todo, revistas se entremezclan con la pintura acrílica en un abrazo de contrarios. El motivo, que en Ramos es siempre variado, se transforma en marinas, paisajes y figura humana. El más joven del grupo, Pablo Guinot, muestra algunos de sus últimos trabajos que bajo el epígrafe de la serie ‘Trayectos corporales’ indagan en las posibilidades compositivas de la figura humana desde un prisma inquietante. Perspectivas imposibles en un halo de irrealidad que sobrecogen al mismo tiempo que atraen al espectador. Santiago Tena cierra este grupo de pintores con una obra dedicada al paisaje de flores. Mucho colorido para recrear algunas de las panorámicas del entorno de la población castellonense de Les Coves, lugar de infancia del artista. Acrílicos sobre tabla con un especial trabajo de texturas.

23.6.11

Japón en Castellón



El grupo Non Stop triunfa en Castellón
Los artistas nipones optan por la fotografía digital, la instalación y la pintura abstracta


La galería de arte Pictograma de Castellón es el escenario de un conjunto de propuestas artísticas venidas del país nipón bajo el paraguas del grupo artístico Non Stop y de la mano del galerista Alfonso González-Calero (Investigación y Arte). Por primera vez en la capital de La Plana se puede ver a este provocador grupo que lleva cerca de seis años exponiendo en España por ciudades como Madrid, Huelva, Oviedo y Valencia. Los artistas que han participado en esta muestra son Okamoto Motoko, Nishio Shihoko, Namura Misa, Nitta Shinzi, Kinoshita Shin-Ichi, Ooya Shingo PH. D., Tanacue, Tamura Shigenao y Demachi Mitsunori, todos ellos afincados en Japón. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 30 de julio en horario de lunes a viernes de 11.30 a 13.30 y de 18.30 a 21.00 horas, sábados y segunda quincena de julio mañanas.
Según su comisario Alfonso González, el grupo posee una serie de elementos comunes: “Existe una dualidad muy marcada en los tonos, colores muy saturados y composiciones muy equilibradas”. La intención del grupo ha sido mostrar con una intención casi didáctica las manifestaciones artísticas más en boga en estos momentos, a saber, fotografía digital, instalación y pintura abstracta.
A nivel conceptual, la exposición de Pictograma parte del pretexto y estereotipo que occidente ha generado sobre Japón en la era postmoderna. País de espíritu radical, flota entre la base de su tradición milenaria -donde el tiempo se paralizó durante siglos- y el ritmo actual de crecimiento voraz, acelerado, descontrolado. El grupo se fundamenta bajo sólidos pilares estéticos tomando como base la provocación visual y la crítica social comprometida. El colectivo Non Stop enfrenta el consabido choque cultural entre ambos mundos a través de una colección de obras controvertidas, persuasivas, con un marcado acento emergente, afectadas de un espíritu rebelde y sugerente.

11.5.11

Entrevista a Mendoza




ENTREVISTA A FEDERICO MENDOZA




1.- ¿Cómo concibe usted el arte digital? ¿Cree que puede reemplazar en un futuro a la pintura?

El arte digital es una arma a doble filo para los artistas puesto que abre
todo un mundo de reprografía donde, al final los creadores pueden fácilmente perder el control sobre su difusión y producción. Son también herramientas que generan una dependencia a terceros, es decir a los programas, a los gestos un poco mecánicos por ejemplo.
Hay que considerar también el alto costo de los avances tecnológicos y la rapidez con que estos surgen. A nivel de mi trabajo digital por ejemplo, yo sigo trabajando con herramientas primarias y de manera bastante artesanal. Pienso también que el uso intensivo y altamente acumulativo, que lo digital permite, limita a su vez el poder del contenido de la imagen, transformándola en producto de consumición rápida, en lugar de servir a liberar el espíritu, formar o vehicular mensajes y pensamiento. Este uso masivo acelera las tendencias a "anonimizar" la expresión humana y a desensibilizar. Ese, es ya un proceso presente en la "movida cibernética". Considerando que faltan creadores humanistas y activistas, en ese sentido, a pesar de ser bastante "tecnofóbico", empecé a ponerme en el mundo digital,
unos diecisiete años atrás. Al principio fue de manera muy lenta, poco a poco, mas tarde intente poner mi granito de arena, de práctica, dar pequeños toques de humanismo, ese que tanto se abandona en la mayor parte del mundo denominado virtual. Anteceder de manera crítica las problemáticas de este medio y contribuir a generar nuevas prácticas me pareció urgente. Esa realidad de la cibernética actual no es para nada virtual o neutral, por cierto, al contrario, cada año aumentan las víctimas de esa falacia de "progreso y comunicación " ; pues siempre seguirá siendo cierto que lo humano y natural se integran muy mal
y solo en limitados casos y por necesidad absoluta a prótesis mecánicas.
Las nuevas tecnologías, son en gran parte una prótesis a la dificultad de comunicar con el vecino, esa familia al lado de uno, de la que no sabemos ni cuantos la componen o la naturaleza de la cual cada vez, más distancia nos separa de su realidad física
y su importancia para nuestro futuro. Eso dicho la pintura siempre tendrá futuro, no veo señales de lo contrario, sobre todo si los artistas pintores de integridad le ponen continuidad
a su labor, un poco de intelecto, de apertura de espíritu a los cambios técnicos
y prestan un oído atento a la evolución artística en sus muy variados aspectos. Ningún método de expresión humana es o debería ser antagónico, para los artistas realmente expresivos,
que se cataloguen como se cataloguen y vengan de las artes que vengan, la realidad actual es que están afectados por una crisis profunda de la perdida de relevancia social, interés y apoyo hacia la creación expresiva de los diversos públicos y entidades. Debo también decir que el gran potencial de futuro para la pintura se encontrará con mayores limitaciones y problemas, si los pintores contemporáneos se integran sin reflexión al hábito digital. Como seria precipitarse a un uso que imita lo masivo y que de más en más contribuirá a la despersonalización de la obra, a través de la saturación de la híper difusión de la imagen. Los usos masivos de difusión de las imágenes de creación acaban robándoles la personalidad propia y sobre todo se acaba rompiendo el vínculo a la experiencia física y contextual.

2.- ¿Podría explicarme el aspecto poético de sus trabajos? ¿Cuáles son sus fuentes de inspiración?
No todo lo que hago tiene o es de carácter poético (clarifico): En nuestros tiempos hay una tendencia a poner o ponerse etiquetas que en apariencia sitúan a las personas o artistas en relación a la sociedad y ahora al sentido de la "mercadotecnia". Nuestros días se asemejan a un árbol que se quiere sin raíces y siempre florido, en este sentido las palabras
parecen perder su significado y su relación con nuestros pensamientos, con nuestras memorias ancestrales, con nuestras raíces. Me considero y se me considera artista experimental, eso nunca querrá decir que pierdo de vista la memoria antigua y el legado de lo que nos precede.
Lo que hace que mis fuentes de inspiración son muy vastas, nuestra sociedad de híper consumo produce tantas cosas, nuestras casas están tan llenas de materiales, de cosas coloridas, que ese lado de experimentación creativa nunca falta de materia de inspiración. Muchas cosa simples tienen así un áurea poética y, para poder descubrirlo, hay que tomar su tiempo; observar, pensar, tratar de ver esa áurea entre el pasaje del tiempo y las estaciones.
Vicente transmite esa áurea de las cosas modestas mas allá de la apariencia a través de la pintura y yo mismo a través de la escultura, asemblages, instalaciones, fotomontajes y manipulación digital.

3.- La naturaleza está muy presente en sus trabajos. ¿Se trata de alguna metáfora o más bien de un sentido puramente estético de la belleza?
Dejar de lado a la naturaleza es un poco dejar de lado la propia humanidad, lo cual no implica por fuerza, tener un sentido romántico o naturalista llevado a los límites, o un sentido de la nostalgia exacerbado. Al fin y al cabo, un creador tiene que afrontar el sentido practico de su propia experiencia, la mía es la de haber estado en contacto con la naturaleza
e incluso sus extremos a lo largo de mi vida. De otra parte soy un apasionado de las ciencias sociales, así que en mi trabajo se juntan varias experiencias paralelas y en particular lo que alía ecología y sociedad o las contradicciones siempre presentes entre orden y caos, lo natural y lo artificial el espacio personal y el espacio publico. De otra parte, en términos de ciencias sociales se puede hacer la misma constatación con las nuevas tecnologías, que con los recientes
cambios tecnológicos y de herramientas o innovaciones humanas, a saberse producen, difunden y se crean grupos de interés específicos antes de conocer, prever o anticipar las consecuencias en la sociedad humana o en el entorno natural. Es cierto que el intento de captar el alma de las cosas incluso inertes, es una metáfora de la vida, de la humanidad, de las diferentes prácticas artísticas, pero el sentido o la construcción de cánones estéticos o de belleza en el hoy como en el ayer, se encontrara siempre con un desfase certero
en el futuro. Pues ante todo, el sentido estético se caracteriza por ser fluctuante y por empeñarse a ser el reflejo de nuestros prejuicios, construcciones mentales o ideológicas, creencias, e impresión sobre nuestro lugar en el estatuto social. En mi trabajo como en toda expresión artística, hay una filosofía estética, pero no estriba en la búsqueda de un ideal de belleza, pues para mi este se dirige y se quiere ver del exterior, desde el impacto visual certero e inmediato, las modas y momentos del presente y histórico que nos tocó vivir. Como artista experimental situarme en un particular sentido estricto de la estética o belleza seria limitarme, perder el intuitivo balance expresivo que anticipa y genera una muy propia filosofía estética.

Poética visual



Poética pura en la inauguración de Mendoza & Heca
La exposición puede visitarse en Galería Real hasta el día 30


El público que se acercó el pasado viernes a la inauguración de la exposición conjunta de F.F. Mendoza y Vicente Heca en la Galería Real de Castellón (plaza Real, 3) disfrutó de ese ‘Tiempo pausado/Pause in time. Encuentro de dos poéticas visuales’, tal y como reza el título de la muestra. Heca sí quiso estar presente en la sala y departir con los espectadores, pero Mendoza excuso su asistencia por residir en estos momentos en Australia. La presencia de numerosos artistas de la capital de La Plana puso de manifiesto la expectación que este proyecto ha despertado en la ciudad. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 30 de mayo. El horario de visitas de la Galería Real es de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00.
Aunque se conocen desde hace años y han colaborado en numerosos proyectos colectivos, tanto en España como fuera de nuestras fronteras, ésta será la primera vez que podamos ver juntos a estos dos artistas. La obra del primero se enmarca en el ámbito del arte digital. Mendoza realiza composiciones digitales impresas sobre lienzo y, posteriormente, intervenidas a mano logrando que cada obra sea una pieza única. Todo dentro de una estética surrealista y poética. Su compañero, el valenciano Vicente Heca, presenta una retrospectiva del trabajo de sus últimos años a modo de epílogo. “Es como cerrar un capítulo para empezar una nueva etapa”, explica el artista. Considerado uno de los mejores pintores hiperrealistas actuales, Heca ofrece un rico universo donde el epicentro se transforma en una canica de cristal, metáfora del ser humano por su multiplicidad de caras.
En palabras de sus autores, se trata de una exposición donde “dos sentidos atemporales de la poética visual se encuentran en un mismo espacio”. “Por primera vez dos artistas que con persistencia recrean un libro de reivindicación del lado poético con tanta frecuencia oculto en las cosas más simples. Una parte del poemario visual de ambos se encuentra a las antípodas de toda idea hecha o prefabricada sobre el transcurrir del tiempo, y por ende al valor que ponemos de manera muy definitiva a las cosas. Cada uno de nosotros recrea en sus imágenes un mundo propio pero que da acogida a un indefinido número de otros; De idealismos, y simbolismo. La metáfora final pasará de la imagen a la mirada del que se atreve a tomar una pausa en el ajetreo ciudadano del hoy y de esa manera el mirar se convierte en dialogo interior del alma que observa y quiere ver mas allá de las apariencias”, señalan.

3.5.11

Pepe Mora



Exposición en honor a la Lledonera
La muestra de pintura e indumentaria podrá visitarse hasta el día 9


La Delegación del Consell (Mayor, 78) acoge la exposición de pintura e indumentaria costumbrista de Castellón titulada ‘En honor a nuestra Lledonera. Castellón y sus fiestas’. Las reinas de la Magdalena 2011, Mónica Sidro y María Badenas, fueron las encargadas de presidir el acto de inauguración junto al delegado del Consell, Joaquín Borrás; el diputado de Cultura, Miguel Ángel Mulet; el concejal del PSPV, Josep Lluís Grau y el organizador de la muestra, el pintor Pepe Mora. Como maestro de ceremonias Salvador Bellés que calificó a Mora de “símbolo del bilingüismo en nuestra provincia” y realizó un discurso en el que citó personajes celebres vinculados a la calle Mayor y, en concreto, a la histórica Casa dels Caragols. Borrás agradeció la presencia de las reinas y recalcó que “es la primera vez que las reinas de la Magdalena visitan institucionalmente esta casa”. “Estáis haciendo historia”, insistió.
La exposición es una selección de pinturas recientes del artista de Viver, que se muestran junto a un conjunto de piezas cedidas por Confecciones Pitarch i la Colla de Dolçainers i Tabaleters de Castelló. El pintor Pepe Mora, miembro y fundador de Amart, presenta un conjunto de 20 trabajos pictóricos elaborados con técnica mixta y dedicados a la temática magdalenera y, por supuesto, a la Lledonera. El monumento a la gaiata, la tradición taurina y los guiños a la arquitectura más emblemática de la capital de La Plana (plaza Mayor, Teatre Principal, Basílica del Lledó, Farola, ermitorio de la Magdalena…) son referencias frecuentes en su producción. Tampoco se olvida Mora de la presencia femenina con continuas alusiones a la mujer castellonera y al mundo floral. La muestra costumbrista se completa con la indumentaria tradicional de trajes, aderezos, peinados, mantillas y, además, una selección de dolçaines i tabals que ilustran al espectador sobre todo el colorido y el sabor de la fiesta castelleronera.
La exposición ‘En honor a nuestra Lledonera. Castellón y sus fiestas’ podrá visitarse hasta el próximo 9 de mayo. El horario de visitas de la delegación del Consell es de lunes a viernes de 9.00 a 13.00 y de 16.00 a 20.00 horas.

15.4.11

Arte en Pascua


Exposición colectiva en la sala municipal de l’Alcora


V. Varella, Marcelo Díaz, Miguel Pastor, Pablo Guinot y Martín Zuriaga serán los artistas participantes


La sala de exposiciones del Ayuntamiento de l’Alcora invita a vecinos y visitantes a la exposición colectiva ‘Art per Pascua’ que se inaugura mañana sábado 16 de abril, a las 12.00 horas. Los artistas que participan en la muestra son Vicent Varella, Marcelo Díaz, Miguel Pastor, Pablo Guinot y Martín Zuriaga. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 30 de abril. El horario de visitas de la sala es de 18.00 a 20.00 horas. El público tendrá ocasión de disfrutar de la obra más representativa y personal del castellonense Vicent Varella. Una pintura con fuerza y muy enérgica en la que el artista establece una relación entre la figura humana y el fondo. La paleta de Varella es cálida y como él mismo asegura “cada cuadro es él y tiene su propia personalidad. No es una obra estandarizada”. El único escultor de la sala es Marcelo Díaz. Toledano de nacimiento pero afincado en Vila-real desde hace décadas, Díaz es uno de los escultores más reconocidos de la provincia. Su calidad y sentido poético le ha permitido llevar su obra por todo el mundo. El castellonense Miguel Pastor es conocido por su faceta literaria y pictórica. Desde los años 60 combina su profesión en el campo de la arquitectura con la vocación de pintor. Pastor presenta en l’Alcora un conjunto de piezas recientes formadas por un óleo inspirado en una pareja de labradoras y dibujos a pastel con desnudos femeninos. Pablo Guinot ofrece parte de una serie nueva titulada ‘Trayectos corporales’ en la que el artista presenta porciones del cuerpo humano masculino y femenino fragmentados, distorsionando pretendidamente el punto de vista. Para ello Guinot emplea una iluminación artificial y unos pliegues de la carne algo extraños. “El resultado es una imagen perturbadora y familiar a la vez”, señala. Por último, el pintor turolense Martín Zuriaga muestra una obra que denota el gusto de este autor por las corrientes del constructivismo ruso y el surrealismo. Sus nuevos trabajos introducen el color con una predilección especial por los tonos violáceos. Otra de sus características es la ausencia del blanco, lo que aumenta todavía más la sensación de horror vacui. Y es que el universo de Martín Zuriaga es una amalgama de elementos, algunos de ellos reiterativos como las olas, el viento, el mar, el horizonte y la naturaleza en estado puro.

12.4.11

Estudio del color


La Galería Real presenta a la pintora Lola Tajahuerce La muestra ‘Armonías y colores’ puede visitarse hasta el 20 de abril La Galería Real de Castellón (plaza Real, 3) presenta a la pintora Lola Tajahuerce. La inauguración de la muestra titulada ‘Armonías y colores’ tendrá lugar hoy martes 12 de abril, a las 20.00 horas. La artista soriana afincada en Castellón es profesora de dibujo desde el año 1996. Con anterioridad, Tajahuerce cursó los estudios de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. Este perfil profesional y académico es el que le ha permitido compaginar las labores de docencia con una carrera artística que la ha llevado a exponer por distintos puntos del Estado. La presente exposición responde a la continuación de una serie abstracta en la que la artista lleva trabajando algún tiempo y que tiene como principal preocupación la transformación y el estudio del color. Lo que empezó siendo un huevo frito se ha ido transformando, redondeando y variando de tamaño. “Mi investigación es ahora más profunda. Se trata de un estudio de armonías, contrastes y colorido; de formas en movimiento que dan un ritmo entre las composiciones. Destacan en estos ritmos el cambio de tamaño de las formas que hacen que con la vista se pase a la composición siguiente”, explica la autora. Todos los colores empleados son intensos y planos. Tajahuerce se inclina esta vez por formatos más amplios que pueden funcionar solos o en composiciones de dos, tres y hasta cuatro lienzos. Además, todas las obras están pensadas para adaptarse a cualquier espacio, pues funcionan igual en vertical que en horizontal. El resultado es una obra en acrílico alegre, vitalista y, sobre todo, colorista En un grupo de obras las armonías afines dan sensación de tranquilidad, orden y lógica cromática. En ellas no hay oposición y, por tanto, no se dan sentimientos encontrados en cuanto al color. En cambio las formas sí que se agrupan o se dispersan y pueden crear diferentes sensaciones en el ojo del espectador. En otras composiciones la mezcla de estas armonías afines con colores complementarios pueden resultar demasiado exaltadas y provocar sensaciones visuales fuertes. Cuando aparece la línea por contraste de complementarios se crea movimiento visual. En ese cado todos los colores son influidos o influyentes, la retina del observador no los aprecia en su totalidad aisladamente. La exposición ‘Armonías y colores’ podrá visitarse hasta el próximo miércoles 20 de abril. El horario de visitas de la Galería Real es de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00.

9.4.11

Eduard Cortina



Eduard Cortina muestra sus últimas esculturas

La exposición ‘A pèl’ podrá visitarse hasta el 11 de mayo en Pictograma


La sala de arte Pictograma de Castellón (plaza de la Muralla Liberal, 1) abrió sus puertas anoche para recibir los últimos trabajos del escultor valenciano Eduard Cortina (Godella, 1955) bajo el título ‘A pèl’. El vínculo entre la sala castellonense y el escultor se remonta a la década de los 80. Desde entonces Cortina ha participado en numerosos proyectos individuales y colectivos. La presente exposición permanecerá abierta hasta el próximo 11 de mayo. El horario de visitas de la sala es de lunes a sábado de 11.30 a 13.30 y de 18.30 a 21.00 horas. La muestra ‘A pèl’ reúne una veintena de piezas en madera de pequeño y mediano formato. El material empleado es sabina y ciprés, fundamentalmente, y algunos ejemplos de abedul y ukola. Para la descripción de los trabajos seguiremos el texto del catedrático de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, Manuel Silvestre: “En las esculturas que hoy nos presenta Eduard Cortina, después de un corto periodo de “paro técnico” dedicado a reflexionar y sedimentar ideas en torno a su proceso evolutivo, el artista ha practicado un ejercicio de depuración y limpieza de su propio yo, en un intento de eliminar todos los elementos contaminantes de la acción creativa. Sin desvincularse de sus anteriores trabajos emerge esta nueva serie de tallas de diversas maderas que nacen de un proceso creativo limpio y espontáneo. Eliminando en la medida de lo posible muchos de los tratamientos técnicos, ensamblajes, encolados e incluso el empleo del color que con tanta intensidad pudimos ver en anteriores trabajos. En la actualidad se decanta por la búsqueda de una línea de experimentación basada en las propiedades físicas y naturales, y en el énfasis de las posibilidades expresivas de la madera. Este compromiso del escultor con la materia le conduce a despojarse de muchas de las filigranas del oficio -que tanto conoce y domina- para que transpire la esencia de las formas cilíndricas de las que parte, haciéndolas compatibles con la sutil huella de su intervención. Todo un modelo de equilibrio y sobriedad que se hace patente en este conjunto de esculturas de extraordinaria fuerza expresiva. En esta especie de tótems o fetiches planean muchos de los conceptos del arte escultórico del siglo XX en un vuelo exento de motor y fuselaje. Pero en este planteamiento Eduardo ha prescindido de referentes “teóricos” y “artísticos”, enfrentándose a la materia de la manera más pura y natural en una exquisita síntesis de los valores esenciales del arte primitivo. Con un renovado espíritu y la voluntad de sentirse más libre ha abordado esta nueva etapa valiéndose de la inercia y el empuje que le dan madurez y la experiencia. Todo un ejercicio sereno y respetuoso en el que se deja llevar por las características del propio material, con las improntas del crecimiento y las circunstancias medio ambientales que contribuyeron a crear esas caprichosas fibras, ricas de colores, nudos o acumulaciones resinosas. De forma intuitiva y sin boceto previo como lo hiciera Miguel Ángel con los mármoles, se ha lanzado literalmente sobre los troncos, serrando, tallando, limando y puliendo la madera, con la intención de penetrar y producir toda suerte de vacíos, huecos, o perforaciones. El resultado son unas formas espectaculares y nada gratuitas, pues son el fruto de un proceso lento y calculado tratando de armonizar el trabajo especulativo de la creación con un respeto máximo por los caprichos de la naturaleza, por la que siente una especial inclinación. Esta vez Eduardo, nos propone una nueva ruta, un paseo por las alturas con un recorrido marcado por el paso firme, tenaz y solitario del creador, pero no exento de aventura y complicidad”.

11.3.11

Pintura y sensibilidad


Últimos trabajos de Marcos Carrasco
‘Cruzando límites’ podrá visitarse en Aitana hasta el 16 de abril


La galería de arte Aitana de Burriana (calle Maestrat, 1 A) abre hoy sus puertas para recibir al reconocido pintor Marcos Carrasco con sus últimos trabajos bajo el lema ‘Cruzando límites’. La inauguración tendrá lugar esta tarde a las 19.30 horas y la exposición permanecerá abierta hasta el próximo 16 de abril, cuando se sorteará un cuadro entre todos los asistentes. El horario de visitas de la galería Aitana es de martes a sábado de 11.00 a 13.30 horas y de 18.00 a 20.30 horas.
La última exposición de Carrasco ofrece un conjunto de obras sobre madera, lienzo o atractivas planchas de aluminio de distintos formatos (algunos de ellos circulares a modo de tondos) en las que se aprecia la abundancia de materia. Se trata de un trabajo muy textural donde el artista parte de la abstracción, de la mancha, para terminar en lo figurativo, creando así un efecto muy interesante y personal. Así, el espectador encuentra dos lecturas enriquecedoras; por un lado el estudio anatómico de la figuración y, por el otro, las imprecisiones de lo abstracto.
Marcos Carrasco es un artista alicantino formado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Su principal preocupación gira en torno al cuerpo humano como mecanismo para expresar emociones humanas. “Unas veces puede ser el paso del tiempo y otras los sueños, el mundo onírico”, comenta. “Tan solo la plasmación de la figura ya conlleva un sentimiento, un estado de ánimo; La libertad, la alegría, como se puede ver en el cuadro titulado ‘Victoria’, el ensimismamiento… También los grandes enigmas que nos rodean, como el transcurso del tiempo y el deseo del ser humano por dominarlo: ‘Tiempo Perdido’, ‘Crononauta I’ o ‘Lapso Eterno’. El significado de los sueños sugiriendo otra vida paralela o la fuerza física y mental representada en piezas como ‘Tenacidad’ o ‘Fuerza lunar’”, añade.
El título de la exposición, ‘Cruzando límites’ es, además, una puesta en escena del momento vital y creativo en el que se encuentra el artista. Queda representado simbólicamente en los cuadros ‘Ampliando la consciencia’ o ‘Diseñando el Universo’. “Ahora más que nunca, solo me convence la creación cuando tengo la sensación de que estoy rompiendo convencionalismos y barreras autoimpuestas. Llegar más allá y reaprender. Situarme al borde del precipicio para crear es un riesgo en todos los sentidos, pero solo así se avanza, aunque deje por el camino errores. Solo la satisfacción de ver una sola pintura a la que nada le sobra es indescriptible. Y es indudable que solo se llega a ella cruzando límites”, explica.

6.3.11

Bolumar & Arbeloa


Bolumar presenta la carpeta de grabados ‘Cuanto sé del amor’
Las nuevas serigrafías están dedicadas a los cuatro elementos


El pintor segorbino Luis Bolumar Santamaría ha presentado una nueva carpeta de grabados titulada ‘Cuanto sé del amor’ e inspirada en los cuatro elementos. Las cuatro serigrafías del artista están acompañadas de cuatro poemas de Antonio Arbeloa. La presentación tuvo lugar en el taller del artista, emplazado en la céntrica calle Caballeros nº 6 de Castellón rodeado de amigos.
La carpeta ‘Cuanto sé de amor’ tiene una tirada de 25 ejemplares con serigrafías de 65 x 50 a cuatro colores. En las cuatro imágenes se distingue una mujer de formas voluptuosas y sensuales portando distintos objetos alusivos a los elementos; un pájaro por el aire, un cántaro por el agua; un ramo de flores por la tierra y una llama por el fuego. En todos los fondos encontramos los mismos juegos geometrizados.
Desde el año 1994 Luis Bolumar lanza carpetas seriadas de obra gráfica en las que invita siempre a un colaborador (poetas, escritores, periodistas….). ‘Cuanto sé del amor’ es la número 13.

25.2.11

Lorenzo Ramírez

La Galería Imagenarte invita a Lorenzo Ramírez
El pintor de Borriol presenta su tradicional exposición de Magdalena


La Galería Imagenarte de Castellón (calle Nuñez de Arce, 36) dirigida por Pilar Edo invita al artista de Borriol Lorenzo Ramírez para que presente su tradicional exposición dedicada a la Magdalena como antesala de las fiestas fundacionales de la capital de La Plana que este año se celebrarán del 26 de marzo al 3 de abril. La inauguración de la muestra tendrá lugar hoy viernes, a las 20.00 horas, y la presentación correrá a cargo de Salvador Bellés.
La exposición costumbrista que presenta este año el pintor está formada por una docena de obras en formato 70x100 y 100x100, además de un conjunto de dibujos con una edición numerada de diez láminas. Para su elaboración Lorenzo Ramírez ha utilizado acrílico sobre tela, acrílico sobre papel y tintas. La temática está copada exclusivamente por el asunto festivo. El Pregó, la processó de gaiates, Tombatossals, infantes o las grupas (castelloneros montados sobre el caballo) son algunos de los motivos más recurrentes.
La novedad que presenta en esta ocasión el pintor y que es fruto de su propia evolución la encontramos en el color. Lorenzo Ramírez emplea como dominantes los violetas y azules, mientras que reserva a los cálidos rojos y amarillos para imprimir chispas de luminosidad. “Es un violeta de fiesta y alegría, no de pasión. No olvidemos que la Magdalena se celebra el tercer domingo de Cuaresma”, recuerda el artista.
Lorenzo Ramírez (Borriol, 1952) lleva más de cuarenta años dedicado a la pintura. Sus maestros más destacados fueron Collado y Ramón Catalán, y perteneció al grupo de Paco Puig con el que practicó el paisaje al natural. Durante estas cuatro décadas ha logrado un público fiel y asentarse en las temáticas del paisaje (con especial hincapié en los amaneceres), las fiestas de la Magdalena y en menor medida el arte taurino.
La exposición podrá visitarse hasta el próximo 25 de marzo. El horario de visitas de la Galería Imagenarte es de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00 horas.

4.2.11

I Exposición de Pintura Collage

Relación de artistas que participan en la I Exposición de Pintura Taller de BBAA Collage

Francisco Torán (ex alumno y actual pintor independiente). Siente gran preocupación en su obra por elementos que nos acercan al arte oriental e incluso él mismo ha tomado su cuerpo como lienzo para tatuar sobre él algunos motivos próximo a una iconografía japonesa tradicional.
Rosana Mora (ex alumna y actual pintora independiente). Mucho mas comprometida con la problemática social, Rosana aborda aquellos aspectos de clara reivindicación de los altos valores éticos y morales que deben regir en una armoniosa convivencia. Refugiada en el Arte Povera o del reciclado, aborda la temática con un sentido coherente del discurso.

Esmeralda Domínguez (ex alumna. En la actualidad estudia en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos en la Universidad Politécnica de Valencia). En estos momentos siente gran preocupación por los aspectos formales relacionado con la figura humana, artistas como Lucían Freud y Bacón actúan como referencias directas de su actual trabajo, donde destaca la fuerte expresividad en el tratamiento del color, la pincelada y el dibujo.

Carlos Asensio (ex alumno y actual profesor de pintura en la Asociación Cultural de Bellas Artes y Artesanía de Castellón). Su obra transita por un depurado realismo a lo Antonio López, donde la clara preocupación por el dibujo y en certero control del color denotan un discurso próximo a un realismo casi fotográfico, pero con la calidez que solo es posible cuando estamos en presencia de una obra hecha por un pintor.

Son alumnos actuales:

Julia Carreguí. Pintora con gran dominio del color. Su principal motivación y estudio radica en el paisaje, principalmente en los de temas marinos, donde Julia expresa toda una maestría en los motivos de las rocas y el mar.

Sylvia Ordóñez. Con una intención más conceptual, pero preocupada además por el buen oficio, nos aborda temas más intimistas, que mucho tiene que ver con la reflexiva soledad, que solo es posible desde el descanso. Camas almohadones y placenteros cojines son los elementos elegidos por esta pintora para representarnos las escenas ideales de meditación que surge en el cómodo silencio

Chelo Delago. Pintora incansable y amante de la figura humana, esta vez nos trae una pequeña selección de un conjunto de obras inspiradas en las cartas de la baraja, recreándose en ellas la iconografía modernista de Alfons Maria Mucha. Un trabajo que nos hace reflexionar sobre el juego como herramienta de relaciones humanas. Porque la vida también puede manifestarse como un hermoso juego de azar.

Tere Benet. Excelente acuarelista Benet presenta dos hermosos ejemplos donde el tratamiento de la pincelada y la belleza del color, no transporta a un resultado de connotada belleza. Un paisaje de la zona, río Cares, y un bodegón, ponen de manifiesto el autentico dominio de un oficio y la clara expresión de un gusto por el lenguaje que nos ofrece la pintura.

Ana Ginés. Especialista a una empresa vinculada a la explotación del petróleo, Ginés es una amante del paisaje y la naturaleza, un campo de abedules donde la luz de la escena, es su más cara protagonista; Ana parece reivindicar en su discurso el espíritu ecologista que tiene aquellas personas que aun trabajando en tan singular industria, creen en un mundo de convergencia armónica entre las dos concepciones, el desarrollo que trae la industrializaciones, y el respeto coherente por el entorno donde el hombre habita.

Fernando Cuevas. Viene del mundo de diseño grafico y quizás por ello, la preocupación e interés por los aspectos de acabados en sus obras, lo acercan a una concepción más próxima a la iconografía del Pop Art, pero que en su caso, vincula al siempre sugerente mundo de lo erótico y el sexo donde en esta ocasión los placeres se dan sita para invitarnos a degustar de dos sugerentes helados, donde podemos descubrir aquellos elementos de la amplia erótica y el placer.

Silvia Yuste. Pintora de gran gusto por el color nos descubre en estas dos obras un calidoscopio de formas que se entrelazan y fragmentan provocando en nosotros una inquietante sensación de especialidad que a pesar de la solidez de las formas, estas parecen desvanecerse en un vitral de colores de gran lirismo y belleza.

Mª Antonia Viñals. Fiel y leal discípula de su maestra Raquel A. Lara, (quien es sin duda una de las grandes retratistas de esta ciudad) su preocupación está centrada fundamentalmente en el estudio de la figura humana, y en esta ocasión nos presenta, dos excelentes ejemplos donde Mª Antonia nos demuestra una clara habilidad no solo por el dibujo y el color del motivo, sino además, por el difícil genero del retrato.

Frutos del collage artístico



I Exposición de Pintura del taller de BBAA Collage
La muestra de alumnos, ex alumnos y profesores permanecerá expuesta en la Galería Real


El Taller de Bellas Artes Collage que dirige el pintor Amaury Suárez en Castellón ha decidido organizar una exposición conjunta de alumnos, ex alumnos y profesores. Los pintores que participan son Francisco Torán, Rosana Mora, Esmeralda Domínguez, Carlos Asensio, Julia Carregui, Sylvia Ordóñez, Chelo Delago, Tere Benet, Ana Ginés, Fernando Cuevas, Silvia Yuste y Mª Antonia Viñals; junto a sus maestros Raquel Lara y Amaury Suárez. La inauguración de la I Exposición de Pintura del Taller de BBAA Collage tendrá lugar hoy viernes 4 de febrero, a las 19.30 horas. El Taller de Bellas Artes Collage es un centro de referencia en la forma de enseñar las artes plásticas en Castellón. Fundado en septiembre de 1997, como una idea personal del pintor y escultor Lic. D. Amaury Suárez Fernández, al que siempre le ha motivado compartir la docencia con su carrera artística. El primer emplazamiento del taller se encontraba situado en un pequeño entresuelo de escasos 75 metros cuadrados, en la calle Jover, muy próximo a la calle Herrero; allí se impartía clases teóricas de historia del arte y técnicas, así como de color y dibujo a niños y adultos. En un primer momento estas clases estuvieron a cargo en solitario del propio Amaury Suárez, pero en apenas dos años de trabajo y con la valiosa incorporación de la profesora Raquel Alonso Lara, que se encargó en exclusiva de los pequeños, la novedosa y eficaz pedagogía que garantizaba un aprendizaje sólido y más actual de la enseñanza de las pintura y el dibujo, la asistencia de los alumnos colmó las capacidades del espacio de dicho lugar, viéndose obligados para ampliar la matricula a trasladarse a un espacio de mayor capacidad. Desde febrero de 2000 el taller ocupa la calle San Félix, 49 (2º entresuelo).
Durante cerca de 15 años el taller ha formado a un centenar de alumnos, muchos de los cuales han ingresado en escuelas oficiales del territorio nacional. El taller Collage es, sin duda, un digno ejemplo de un trabajo bien hecho, donde los resultados obtenidos en la calidad formativa de sus alumnos acreditan una valiosa y singular labor de referencia en la forma de enseñar las artes plásticas en Castellón.
La exposición dedicada al taller Collage podrá visitarse hasta el próximo 14 de febrero. El horario de visitas de la Galería Real es de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00 horas.

21.1.11

Dos prismas





















Raquel Usó y Salomé Monfort en la galería Aitana

La galería de arte Aitana de Burriana (calle Maestrat, 1 A) presenta su primera exposición de 2011 con una muestra de las pintoras Raquel Usó y Salomé Monfort. La inauguración tendrá lugar hoy viernes 21 de enero a las 19.30 horas. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 27 de febrero. El horario de visitas de la galería Aitana es de martes a sábado de 11.00 a 13.30 horas y de 18.00 a 20.30 horas.
La joven pintora Raquel Usó, afincada en Valencia, ofrece en la sala burrianense un conjunto de trabajos de intenso colorido. El resultado final es una obra fresca y espontánea. Usó acude a la naturaleza muerta para confeccionar una serie de bodegones en los que aparece de una manera reiterada el motivo de la taza. Los objetos de la vajillería se tambalean en los límites del cuadro con un equilibrio inestable. Los fondos abstractos aparecen manchados hasta convertirse en el tema central como en la pieza ‘Naranjas’. En otra de sus series, Usó imagina un ser con trazas ingenuistas dentro de una estética más naif.
Salomé Monfort, artista de vocación, reinventa de nuevo sus dos bloques temáticos predilectos, las Meninas y el paisaje. En las primeras construye las poderosas formas femeninas que inmortalizó Velázquez para después ir deconstruyendo los contornos hasta desembocar en una abstracción. En el caso de los paisajes, Monfort toma como inspiración los motivos naturales más cercanos, de su entorno, o espacios que han llamado su atención como en la obra dedicada a La Toja. La artista se aleja de la luminosidad mediterránea para centrarse en una atmósfera mucho más norteña con nubes cubriendo los cielos. Entre las características más notables de su quehacer destacan su técnica expresionista, una paleta de tonos sucios, sienas y ocres, y el empleo de abundante materia.
Las dos artistas tienen nexos en común en esta exposición. Por ejemplo, ambas han abordado sus respectivos trabajos con una técnica similar aunque desde prismas completamente diferentes. Tanto Usó como Monfort han empleado el óleo sobre lienzo y la técnica mixta sobre papel. Además, ambas han optado por presentar obra reciente para mostrar en la sala. Por último, la galería de arte Aitana quiere anunciar que los asistentes a la exposición y los compradores tendrán la oportunidad de participar en el sorteo de dos cuadros cortesía de las autoras.

12.1.11

Sinceridad y personalidad


La Galería Puchol recibe al pintor Ulpiano Carrasco

Las vistas de su ‘Manchuela’ natal conviven con la urbe de los rascacielos


La galería Puchol de Valencia (Conde de Salvatierra, 32) escoge al pintor conquense Ulpiano Carrasco, un veterano de la sala, como primer artista invitado del año 2011. La inauguración de la exposición titulada ‘Mapas’ tendrá lugar el próximo viernes 14 de enero, a las 19.30 horas.
La muestra recoge un importante conjunto de obras inspiradas en su paisaje natal, la ‘Manchuela’, una porción de La Mancha que según el artista es una tierra de transición, paisajísticamente hablando, llena de contrastes, rica y muy cambiante según la estación. Nacido en Casas de Santa Cruz y afincado en Villanueva de la Jara, Ulpiano tiene cada surco de esa tierra conquense radiografiado en su retina. Aunque no abandona el estudio del paisaje rural que le ha acompañado durante 30 años de carrera, el pintor ha dado, en esta ocasión, una vuelta de tuerca para crear un paisaje más simbólico y personal. “Uno tiene que crearse su propio paisaje, y esto es un paso más dentro de una carrera infinita”, reconoce el artista. El trabajo se torna más depurado y desgranado. Se pierde el celaje en pro de una perspectiva más área y topográfica, como un mapa, que justifica así el título de la exposición. “Construyo el cuadro con apenas cuatro o cinco símbolos extraídos de la imaginación como las carrascas, las viñas o los ribazos”, explica. “He eliminado todo lo inexpresivo de la realidad y lo he sustituido por símbolos. Es, en definitiva, un espacio construido por el hombre y reinventado por mí”, afirma este creador.
La exposición se completa con un grupo de bodegones de frutas, también muy simbólicos, y donde todo está vivo; y vistas urbanas de la ciudad de Nueva York. Las obras de este último caso se agrupan en una serie titulada ‘Fractales’ donde Ulpiano ejercita una pintura rítmica, “un tic-tac progresivo”.
Sea cual sea el tema escogido, Ulpiano elabora una pintura de datos, de imaginación, y no de efectos. “No suelo abocetar, sino que pinto directamente y lo hago de una manera algo bárbara, con una impronta más bien agresiva”, explica. Esta pintura de acción que subyace en los primeros estadios se tamiza a medida que el cuadro se completa pero sin llegar a desaparecer del todo, mostrando al espectador que la contempla una sensación vibrante.
La exposición de Ulpiano Carrasco podrá visitarse hasta el próximo 9 de febrero. El horario de visitas de la Galería Puchol es de lunes a viernes de 10.30 a 13.30 y de 17.00 a 20.30 horas y los sábados de 11.30 a 13.30 y de 18.00 a 20.30 horas. Los lunes por la mañana la sala permanece cerrada al público.

Sueños desde Penyeta



Martín Zuriaga presenta su obra en Castellón
La muestra pictórica podrá visitarse hasta el día 20 en Galería Real



El pintor turolense Juan Martín Zuriaga escoge la galería Real de Castellón como escenario para mostrar por primera vez su obra al público de la capital de La Plana. El artista criado y formado artísticamente en Valencia decidió instalar su residencia en Castellón en la década de los 90. Desde su apacible morada en la loma de Penyeta Roja, ventana abierta al Mediterráneo, Martín Zuriaga se ha dejado seducir por los aromas, colores y sabores de La Plana. La inauguración de la exposición titulada ‘Imágenes Oníricas’ tendrá lugar hoy miércoles 12 de enero, a las 19.30 horas.
Juan Martín Zuriaga siempre tuvo clara su vocación y desde los 10 años vive rodeado de pinceles. Comenzó su formación en academias de Valencia, -su ciudad de acogida- perfeccionando sus conocimientos de pintura, dibujo y estatua con intención de entrar en la facultad de Bellas Artes. Finalmente optó por no cursar los estudios universitarios, aunque tampoco abandonó su inclinación a las artes plásticas. A finales de los 80 ingresa en la Escuela de Artesanos de Valencia donde también adquiere nociones de grabado.
La pintura de Juan Martín Zuriaga denota el gusto del autor por las corrientes del constructivismo ruso y el surrealismo. En sus primeros tiempos sus trabajos en óleo eran más oscuros, pero poco a poco el pintor ha ido introduciendo colorido. Ahora su paleta es amplia, aunque es palpable la casi omnipresencia en su obra de los tonos violáceos. Otra de sus características es la ausencia del blanco, lo que aumenta todavía más la sensación de horror vacui. Y es que el universo de Martín Zuriaga es una amalgama de elementos, algunos de ellos reiterativos como las olas, el viento, el mar, el horizonte y la naturaleza en estado puro.
Martín Zuriaga extiende las capas de óleo con pinceladas anchas, muchas veces apoyándose en esponjas para lograr esos efectos de frescura y modernidad. Su formación en dibujo le permite construir una composición en distintos niveles o planos. La figuración es casi inexistente aunque no las referencias caligráficas o epigráficas, ya sean palabras o frases, que aparecen en casi todos sus cuadros. Algunos de estos símbolos son ancestrales, y nos retrotraen a las primeras manifestaciones del arte rupestre. El significado lo encontramos en los títulos. Se trata de enunciados como ‘El mensaje del cielo’, ‘La tormenta envolvente’ o ‘Persiguiendo emociones olvidadas’, contenidos emotivos y autobiográficos que revelan el estado anímico del artista, o simplemente sus sueños más profundos.
La exposición ‘Imágenes oníricas’ de Juan Martín Zuriaga podrá visitarse hasta el próximo 20 de enero. El horario de visitas de la Galería Real es de 10.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 horas. Los viernes y sábados de 10.00 a 13.30 y de 17.30 a 21.00 horas.